¿Que es la caligrafía?

La caligrafía es el arte de escribir con letra bella, artística y correctamente formada, siguiendo diferentes estilos.

¿Por qué?

Saber escribir bien ayudará en el desarrollo académico de los más pequeños.
No sólo sirve para aprender a escribir, sino que también es una herramienta para el desarrollo motriz y un arte para poder expresarse.

Materiales

Estudiaremos los conceptos básicos de la anatomía de la letra: proporción, peso, contraste, inclinación, forma y serif. Como herramienta utilizaremos el pincel plano con tintas sobre un papel blanco verjurado.

Metodología

Comenzaremos con los conceptos principales para soltar la mano y entender las formas de los caracteres. Trabajaremos con el movimiento, control, velocidad, inclinación pero también con lo casual, el descuido y la imperfección. La experimentación y la evolución nos llevarán a nuevos caminos y fromas caprichosas y fascinantes. En todo momento yo estaré explicando, guiando y aclarando vuestras dudas para formar signos llenos de encanto y experividad.

Una vez entendido y practicado en todas nuestras hojas estaremos preparados para nuestra obra grupal de gran formato. Actuaremos todos sobre un gran papel para crear una pieza en la que las letras se relacionan formando una pieza única e irrepetible.

Programación

• Presentación (15 a 20 minutos)
Historia hasta nuestros días
• Explicación y práctica caligráfica (2 horas)
• Descanso (15 minutos)
• Realización de nuuestra obra colectiva (1 hora)

Jueves 26 de octubre de 16:00 a 19:00h.
Precio: 50€
Aforo: 15 personas.
Lugar: Cárcel Vieja

A través de la técnica de la cera perdida, una de las más antiguas dentro de este oficio, se busca acercar este mundo a la población de una forma sencilla y sin necesidad de ningún tipo de experiencia, ayudando a desarrollar la creatividad y el diseño para poder crear una joya de forma totalmente personalizada.

Dinámica y duración

Este taller está planteado con una duración de tres horas. Se explicará brevemente el proceso de cera perdida, los tipo de ceras (dura, media y blanda) y formas de trabajarlas (fundido, añadido, granulado, grabado y texturas)  y posteriormente  se atenderá a cada alumno con su idea de diseño y la manera de resolverla y se empezará el modelado de su pieza en cera. Se aconseja que se realicen piezas como anillos o colgantes y que no sean de gran tamaño. Una vez terminadas las piezas nosotras nos encargaremos del proceso de fundición, lijado y pulido de las joyas en plata y se entregarán unas semanas después.

Materiales y necesidades

Bisturís y cutex, manteles de hule individuales, velas para calentar la cera, soldador de estaño y de cera, reglas, folios y lápices, limas, limatón, papel de lija, cera de diferentes durezas, rodillo, buriles y herramientas de dentista para tallado.

Miércoles 15 de noviembre de 16:00 a 19:00h.
Precio: 75€
Aforo: 8 personas.
Lugar: Escuela Superior de Diseño de Murcia

Un grupo de Geishas y karatekas japoneses viajan a Berlin para realizar una exhibición de sus disciplinas en un evento celebrado en Berhgain- Panorama Bar. Es allí donde surge un choque cultual entre japoneses y alemanes; La ropa, la música, los modales, todo lo relacionado con la cultura contraria crea interés en el otro grupo.
Durante la exhibición de Kata de los karatecas, el hard techno empezó a escapar por el altavoz. Fue entonces cuando algo inédito sucedió, los alemanes se lanzaron a la pista bailando con pasos firmes de techno, los karatecas seguían su exhibición que casaba con el ritmo de aquel techno.

Las geishas miraban asombradas, no entendían lo que estaba sucedieron, pero fue entonces cuando sintieron la necesidad de sentirse liberadas, y se lanzaron a la pista bailando techno. Algunas de ellas se abrazan a los fuction one, nunca antes habían sentido las vibraciones que esos altavoces trasmitían y eso las hacia sentir liberadas, empezaron a intercambiar sus batas por los arneses de las alemanas, los abanicos lucían espectacular en las manos de ese alemana que bailaba duramente sin cesar. Arne no podía creerlo, la mezcla cultural se estaba dando.

Gelatina y Gloss recorre espacios sagrados para nuestras culturas ancestrales, modificados por la acción humana, comenzando esta asimilación del territorio desde una perspectiva que redefine los conceptos de natural y artificial.
Este proyecto en proceso está desarrollado en el Malpaís de Güimar, situado en la isla de Tenerife. Atravieso un paisaje sagrado para la cultura guanche mediado por otro de los símbolos representativos de las islas, la Strelitzia, una flor icono del territorio insular pero de origen Sudafricano, una especie introducida en la islas en 1773 por el afán de introducir especies exóticas en la botánica europea, por las características tropicales de las islas, desarrollándose exitosamente y convirtiéndose en un elemento icónico del territorio.
Es un claro ejemplo de cómo la acción humana, modifica el territorio hasta asimilarlo como propio, como natural, haciendo del paisaje un entorno híbrido y mutante.

Mediante estas premisas me dispongo a recorrer este espacio reconvertido en un reclamo turístico para la localidad de Güimar, en busca de una mutación ficcional en la que imagino paisajes plásticos, viscosos, llenos de elementos especulativos que imaginan futuros próximos, de coexistencia entre diferentes elementos mutados por nuestra acción invasiva.
Un mundo de microplásticos, de rocas en proceso de metamorfosis desfiguradas por el calentamiento global, mundos derritiéndose en un paisaje de fuego y agua.
Gelatina y Gloss nos muestra realidades pegajosas y brillantes, residuos y convivencia en un mundo en constante cambio y evolución con una mirada puesta en la ciencia ficción.

Morralla surge como crítica irónica a la desvalorización del patrimonio con la que muchas veces se trata a estos pedazos de historia, y a su vez, viene dado por el hecho de que hasta que no son descubiertos y puestos en valor exponiéndolos en un museo, son parte de la morralla del subsuelo.

Estos hallazgos hablan, cuentan la Historia de la Humanidad, relatan la cronología de las civilizaciones y rescatan la memoria de nuestros antepasados: gracias a estos hallazgos arqueológicos, hoy sabemos de dónde venimos y podríamos aprender hacia dónde vamos.

Como muchos restos se convierten en importantes vestigios y otros se desvalorizan y se destruyen, Morralla se manifiesta irónicamente mostrando esa dualidad del valor y la importancia, de según los ojos de quien descubra o contemple las piezas, puede magnificarlas o ignorarlas, exponerlas en museos, o abandonarlas bajo tierra.

Los restos nos indican información de la forma de vida de las antiguas civilizaciones,

¿Qué determina el valor de un hallazgo histórico?
¿Cuándo son morralla, y cuándo son reliquias?

La mancha hace visibles las características materiales propias de la pintura así como la gestualidad del trazo, se puede entender como un registro de las acciones que han tenido lugar en su soporte y conforma la parte mas orgánica de la obra

La trama aporta ritmo, orden y estructura, se relaciona con los procesos mecánicos de reproducción (grabados, serigrafía, puntos de luz RGB de un televisor de tubo catódico, pixels etc) También sirve para generar ruido y vibración en la imagen y eso ayuda a conectar el leguaje sonoro con el visual ya que otro de los puntos es relacionar pintura/imagen con música/sonido.

El uso de tramas también nos acerca visualmente a técnicas como el tapiz y el mosaico, empleadas tradicionalmente para obras de gran formato y murales y que por su manera de hacer se alejan mucho de mis procesos habituales a la hora de pintar una pared.

En la periferia murciana nos encontramos con varios elementos característicos: el equilibrio entre lo urbano y lo rural, y la presencia de espacios improductivos, dentro de los cuales destacan los terrenos en obras (tanto activas como inactivas), y aquellos vacíos de uso que acaban convirtiéndose en zonas residuales donde se acumulan desechos.
Partiendo de una defensa y reivindicación de la verdad en la producción artística, se busca mostrar la cara más sincera de esta población, espacios que se rigen por el desarrollo cotidiano de los acontecimientos y no por la búsqueda de la eficacia, la productividad o la estética. Zonas que aluden al pasado no histórico, a lo baldío, a lo erróneo, que no tienen uso ni definición, suponen interrupciones dentro del sistema que construyen la realidad, un mundo más pensable, por su franqueza, su contrariedad y su cotidianidad.
Se busca experimentar desde la propia fotografía, disciplina caracterizada en la actualidad por la sobreexposición a imágenes, lo que lleva a la saturación visual, donde las imágenes se vuelven menos impactantes y significativas. La abundancia de fotografías contribuye a la crisis de la imagen, ya que se diluye la capacidad de estas para transmitir un mensaje claro y auténtico.

La facilidad y rapidez para capturar imágenes lleva a una superficialidad en la forma en que se toman y comparten. Esto contribuye a la desrealización, término acuñado por Paul Virilio, ya que las imágenes se utilizan más como herramientas para construir una imagen idealizada en lugar de capturar y transmitir la realidad de manera auténtica. Las imágenes utilizadas en el proyecto han sido obtenidas tanto mediante fotografía digital como desde Google Street View, creando así una nueva capa de significado y nuevas preguntas respecto a la problemática de la desrealización en la época digital.
Se muestran imágenes en color y sin apenas edición , para no caer en la romantización. La aceptación del error y la renuncia a la espectacularidad son recursos esenciales en este proyecto. Además de con las propias imágenes, se busca recurrir a la textura y a lo escultórico para generar una obra más cercana y sincera, buscando generar experiencias no meramente ópticas, utilizando materiales como ladrillo, tela, hormigón, cristal, madera, papel, etc.

Bajo el lenguaje del sonido y su silencio se respira un caos humano y la belleza que se adentra en él, como el desgarro de una madre al dar a luz.

La incomodidad de este dolor representada por sonidos desordenados, gritos y mucho ruido desemboca en una sensación de alivio marcado por susurros y ecos.

El fin de esta obra es encontrar la belleza en el caos y encontrarme a mí.

Las obras exhibidas se caracterizan por su rica textura de aerosol y materiales crudos, añadiendo profundidad a esta dualidad. Reflejan la intersección donde lo básico se encuentra con lo complejo y lo crudo se mezcla con lo refinado. Carlos Cotes nos invita a reflexionar sobre cómo estas dos fuerzas aparentemente opuestas pueden coexistir y nutrirse mutuamente en nuestra realidad.

El tótem, en su esencia, simboliza la acción de erigir algo en la naturaleza, marcando la presencia humana en el mundo natural. A lo largo de la historia, ha sido un elemento constante en las comunidades tribales, representando una conexión con lo sagrado y una búsqueda de nuestros orígenes en un mundo cada vez más complejo y tecnológico.

Sin embargo, esta exploración no se limita a la mera reverencia por lo antiguo. La exposición también aborda provocadoramente temas sexuales, recordándonos que nuestra naturaleza primitiva abarca la expresión más íntima y cruda de la humanidad. Se nos desafía a reflexionar sobre cómo estos aspectos de nuestros impulsos más primarios se manifiestan en la actualidad.